sábado, 31 de enero de 2015

Entrevista con el vampiro (de Pontevedra)


Nueva colaboración con Vice. Puedes leerla aquí.


Foto: David Tombilla.

viernes, 16 de enero de 2015

12 películas de culto españolas que quizás no conozcas

Hay cine español más allá de Almodóvar, Amenábar, Bardem, Buñuel y Berlanga... Hay cine español incluso más allá de "La torre de los siete jorobados", "Angustia", "Arrebato", "Acción Mutante", "Atolladero" y "Amanece que no es poco"... Aquí 12 buenos ejemplos:



JUGUETES ROTOS

Cupletistas octogenarios, boxeadores sonados, futbolistas de éxito olvidados en asilos, toreros jubilados... Son algunos de los decadentes personajes que retrata Manuel Summers en este brutalísimo documental. Una pena que este master del universo sea más recordado por los chistes de Lepe, las cintas de los Hombres G y las pelis de cámara oculta que por joyas como "Juguetes Rotos", "Del rosa al amarillo" o "La niña de luto" (ésta última incluso nominada a la Palma de Oro en Cannes!).



TENEMOS 18 AÑOS

Mi primera reacción tras ver "Tenemos 18 años" fue revisar el año de estreno: ¡1959! ¿Cómo podía ser un delirio pop como éste anterior a 1960? El bueno de Jess Franco (con producción de Berlanga) se adelantó a lo que unos años después llegaría desde UK con cineastas como Richard Lester, desde Francia con la nouvelle vague más alocada ("Week-end", "Zazie en el metro"...) o desde Checoslovaquia con pelis como "Las margaritas" o "Who wants to kill Jessie". "Tenemos 18 años" es una road movie psicodélica que bebe directamente del jazz, el cómic y la literatura pulp. Las jóvenes protagonistas intentan narrarnos desde a comodidad del hogar como fue el viaje que hicieron por España a bordo de excéntrico coche amarillo, pero cada una de ellas, a medida que avanza la peli, nos cuenta una versión más demencial de lo ocurrido. Un recurso que la peli usa para recontruirse constantemente a sí misma y pasearse aleatoriamente por todos los géneros habidos y por haber: el terror, la comedia surrealista, el cine de gangsters, las aventuras selváticas... Diferentes versiones en las que un caricaturesco Antonio Ozores desempeñará el papel de distintos villanos. Lo mejor de todo es la falta de pretensiones e inocencia con la que se realiza este ejercicio de estilo. Se nota de lejos que la peli está hecha por puro divertimento, conservando de esta manera dos de las cualidades de las que suele carecer el cine pretendidamente vanguardista: alma y frescura. Y aún encima tiene la mejor declaración de amor hecha por un misántropo de historia del cine:

"No me gusta nadie... Pero quiero confesarte una cosa: tú eres la persona que me da menos asco."



STICO


Maravillosa comedia negra acerca de un catedrático de derecho romano arruinado (Fernando Fernán Gómez) que decide ofrecerse como esclavo a un antiguo alumno (Agustín González) que triunfa como abogado. El antiguo profesor no pide nada excepto techo y comida. A cambio está dispuesto a ceder todas sus posesiones, incluida su maravillosa biblioteca, a la familia de abogado y convertirse en su fiel y sumiso esclavo. La humillante oferta pilla por sorpresa al bueno de Agustín González, ya que no estamos en Roma sino en la España de mediados de 1980, pero apenado por la precaria situación del antaño venerable profesor decide aceptar. Lo que no se imagina es lo MUY EN SERIO que Fernán Gómez va a tomarse su papel de esclavo... ¡PELICULÓN!


GULLIVER

Quizás la película más esperpéntica de la historia del cine español. Una adaptación libérrima de "Los viajes de Gulliver" de Jonathan Swift, en la que Fernando Fernán Gómez llega a un país dictatorial habitado únicamente por enanos dedicados al mundo del espectáculo. Una especie de fusión oscura entre los shows del Bombero Torero, "También los enanos empezaron pequeños" e incluso "Freaks" de Todd Browning, según el propio Alfonso Ungría una de las principales fuentes de inspiración de la película. Se contrataron a casi 40 enanos para la realización de la peli que se rodó en un pueblo perdido de Plasencia. Al parecer todos los actores estaban hospedados en hotel de carretera y pasaban la mayor parte de su tiempo libre bebiendo en el bar de la gasolinera. Cada vez que un camionero entraba en el bar y veía a 40 enanos de fiesta su cara era todo un poema. Se estrenó en 1979 con críticas bastantes desafortunadas, ya que todo el mundo estableció pararelismos entre el país dictatorial de enanos y la España franquista. Un detalle que no sentó nada bien en aquel momento.

"Gulliver es una de las películas mías que más me gustan y algún día espero que se redescubra y que el público la vea como una película muy original" (Alfonso Ungría)



REINA ZANAHORIA

¡No sólo de "Amanece que no es poco" vive la comedia surrealista española! "Reina Zanahoria", aunque menos conocida, es otro buen ejemplo a tener en cuenta. Una comedia absurda que quizás por moverse en el poco transitado terreno existente entre "Agárralo como puedas" y "El fantasma de la libertad" no ha sido lo suficientemente valorada. Una ensalada de gags en la que tontorrones chascarrillos sobre patadas en los huevos y agentes secretos conviven con hombres-timbre, ataques de osos violadores, grifos-teléfono, sexo con armadura medieval, zanahorias y frases lapidarias del tipo: "Hay dos tipos de gente que no soporto: los racistas y los negros".


Más que suficiente para hacerse fan del bueno de Gonzalo Suárez, el Ken Russell español, un hombre del que Julio Cortázar ya decía: "Para alguien que aprecie los juegos sigilosos de una inteligencia irónica, y la marginalidad deliberada allí donde la gran mayoría trabaja a full time, la obra resbaladiza y casi inasible de Suárez dibuja en el panorama español contemporáneo algo análogo a lo que pudo dibujar en Francia la obra de Boris Vian."



EL HOMBRE QUE SE QUISO MATAR


Esta peli me ha dejado del revés. ¿Quién me iba a decir que una de las pelis más mala leche de la historia del cine se grabó en España, en 1942, por un filofranquista como Rafael Gil? Una nueva prueba de que al cine hay que acercarse siempre con la mente abierta y sin ningún tipo de prejuicio. "El hombre que se quiso matar" es mil veces más negra, iconoclasta y crítica que pelis encumbradas como "Plácido". El personaje de Antonio Casal es exactamente igual que el de Peter Finch en "Network", un suicida que al descubrir que no tiene nada que perder comienza a arremeter contra todo y contra todos, como Michael Douglas en "Un día de furia", como Albert Dupontel en "Dejad de quererme" o incluso Philippe Nahon en "Solo contra todos" pero mucho antes que todos ellos y aquí, en España. Increíble. Directa a mi Top Ten!


EL ELEGIDO

Otra sorpresa que me lleve estos días fue "El elegido" (1985) de Fernando Huertas. Una extraña comedia surrealista, muy en el tono de "Jo, ¡qué noche!", que se adelantó varios años a propuestas yankis como "El show de Truman" o "The Game". Es increible que pelis así no se conozcan más y acaben en el olvido. Casi parece que exista una conspiración iluminati para que sólo perduren y se conozcan las pelis de los 5 directores españoles de siempre.



POPPERS


¡Interesantísimo delirio ochentero made in Spain! La factura técnica y el diseño de producción son impecables, incluso superiores a las típicas series B americanas e italianas de aquellos años. Hay imágenes que son para enmarcar. Parece que en su momento la crítica pasó completamente de ella por considerarla un simple vehículo para el lucimiento de Giannina Facio (futura pareja de Ridley Scott), famosa en la prensa del corazón de aquellos años por su affaire con Julio Iglesias. De hecho, el propio director, José María Castellví, era (¿es?) el fotógrafo oficial del cantante. En cuanto al público, supongo que todavía no estaban preparados para digerir semejante marcianada. ¡Ni "La fuerza de la venganza", ni "Gymkata", ni "Deadly Prey"! ¡"Poppers" es la peli ochentera de cacerías humanas definitiva!



FUNCION DE NOCHE

Una de las mejores pelis de no-ficción que he visto en mi vida. Original en la forma y potente en contenido. Lola Herrera y Daniel Dicenta analizan las causas del fracaso de su matrimonio y ponen sobre la mesa todas las miserias de su vida conyugal. Todo ello entre las bambalinas de "Cinco horas con Mario", la obra de teatro de Miguel Delibes. Reconozco que a priori no parecía para nada el tipo de peli que me suele gustar y me acerqué a ella con bastante escepticismo... Pero los testimonios de ambos son tan descarnados y brutalmente sinceros que es casi imposible no quedarse bobo escuchando. ¡Lo de Bergman a su lado es un juego de niños!


LA HORA INCÓGNITA

Nada como ver "La hora incógnita" para quitarse un montón de prejuicios respecto el buen Mariano Ozores. Una peli de ciencia ficción seria (al menos seria en comparación su cine habitual), con sabroso regustillo a Twiligh Zone, que al igual que pelis posteriores como "Miracle Mile" o "Last Night" nos sitúa en una fantasmagórica ciudad recién evacuada, cuando tan solo faltan unas horas para que ocurra un apocalipsis nuclear y sólo unos pocos inconscientes siguen vagando por las calles.

La dirección de "La hora incógnita" es brillante. La composición de los planos está mimada hasta el extremo y hay secuencias que son para quitarse el sombrero del estilazo con el que están rodadas. Da un poco de pena que un director con tanto talento acabase posteriormente dedicándose unicamente a hacer comedias a ritmo de churrería. Que sí, "Los Bingueros" son las risas y está muy bien, pero con "La hora incógnita" además de reírte alimentas el alma. La verdad es que te quedas con ganas de saber hasta donde habría podido llegar Ozores de haber seguido haciendo trabajos de este estilo. Lo más probable es que a la bancarrota pues "La hora incógnita" fue un fracaso ecónomico tan enorme que obligó a Ozores a tomar la decisión de no volver a hacer jamás el cine que a él realmente le gustaba para dedicarse única y exclusivamente a darle al público lo que pedía.



LA CAMPANA DEL INFIERNO

Durante la EGB, al menos una vez al año, nos solían llevar de excursión por diversos puntos de Galicia. Me quedé alucinado cuando visitamos en Noia la iglesia de San Martiño y el guía nos contó que era un santuario con fama de maldito. Por alguna misteriosa razón una de sus torres nunca había sido acabada de construir. Para aumentar la leyenda resulta que un director de cine (Claudio Guerín) había muerto al precipitarse desde el campanario cuando estaba rodando la última escena de una película titulada, como no, "LA CAMPANA DEL INFIERNO". Es todo tan perfectamente maldito que casi parece un cuento de terror pero es una historia 100% real. Muchos años después encontré la película y para aumentar aún más mi entusiasmo resulta que es una de las grandes joyas del cine fantástico español de los 70. Más apreciada fuera que dentro de su propio país. La mayoría de las localizaciones son gallegas (Noia, Coruña, Betanzos, Padrón...) e incluso hay una mágica escena donde unas fantasmales cantareiras interpretan una inquietante versión del la popular "Eu non sei que pasou no muíño", así que supongo que debería tener un plus extra de curiosidad para los que habitamos por estas tierras. Está completa en youtube. ¡Más fácil de ver imposible!



ODIO MI CUERPO

La película feminista definitiva. Algo así como convertir "El cerebro de Frankenstein" en un drama social sobre los obstáculos de ser mujer en la década de los 70. Según el propio Klimovsky: "Fue una tentativa más de hacer un cine extraño,por lo distinto, y volver, efectivamente, al fantástico. Es la historia de un hombre muerto cuyo cerebro puede salvarse trasplantándolo a un cuerpo de mujer. Esa mujer, con cerebro de hombre, nos permite seguir la experiencia de un hombre, arrogante y machista que, como mujer, se siente desplazado totalmente, y de una mujer que, con el cerebro de un hombre, no puede actuar como una mujer. Es un doble juego que realizó con mucha inteligencia su argumentista pero que, por alguna razón que desconozco, no fue aceptada por el público." Spain is different.

Mención especial merece el doctor con pasado nazi que realiza el trasplante cerebral, un histriónico Narciso Ibañez Menta que parece salido de la misma facultad que el doctor de "The human centipede".


sábado, 29 de noviembre de 2014

Cineuropa (Round 4): Maratón. Crónica de un cobarde.


“QUEN NON VAI DE MORTO VAI DE VIVO”

Entre ayer y hoy tuvo lugar la cita más mítica de Cineuropa: el MARATÓN.

Una proeza cinéfaga consistente en la ingestión de 9 películas, prácticamente, sin pausas. El maratón hay que hacerlo completo por lo menos una vez en la vida. Merece la pena ya no solo por los interesantes estados alterados de conciencia que se pueden llegar alcanzar gracias a la sobredosis de cine y privación de sueño, sino también por el clima  familiar y distendido que se genera en el Teatro Principal.

Por una noche la sala de cine se convierte en lo más parecido al salón de tu casa. Los espectadores suelen acudir con su grupo de amigos y entran equipados con todo tipo de víveres y enseres para sobrevivir a la velada: snacks, bocadillos, bebidas, mantas, almohadas... Es el único día del año en el que podrás ver al público paseándose en calcetines por los pasillos, intentado dormir en su butaca en las posiciones más inverosímiles o gritando y aplaudiendo en medio de la película.

Es también el único día de Cineuropa en el que la media de edad baja hasta casi los 25 años. Son pocos los mayores de 30 que se siguen atreviendo a proezas de este tipo. Yo mismo ya hace tiempo que me lo tomo con mucha más calma. Me salto las pelis que ya he visto y ya ni recuerdo la última vez que aguanté hasta el final (¡Este año la entrada fue a las 22:15 y la salida a las 14:00!). 

DATO CEBOLLETA

Para mí el maratón más emblemático siempre será el recordado como “Maratón de Arrebato”. Pillar con 20 añitos un menú tan suculento como el de aquel 2002 es un hecho del que aún hoy por hoy me siento afortunado: “Arrebato”, “Braindead”, ”La semilla del diablo”, “The Rocky Horror Picture Show”, “Justino, un asesino de la tercera edad”, “El hombre elefante”, “Cabeza Borradora”  y “El increíble hombre menguante”. ¡Casi nada!

Pero dejémonos de batallitas del pasado y volvamos a 2014.

BIATLÓN > MARATÓN

Este año inauguré una nueva tradición: convertir el maratón en una suerte de biatlón al añadir una nueva disciplina: la gastronómica.

Básicamente consiste en meterse un buen atracón de comida antes de entrar en la sala. El objetivo es lograr el (des)equilibrio físico completo. Tener al sistema digestivo tan saturado como la mente con el fin de lograr una especie de ataraxia del exceso.

La mejor opción es ir a un buffet libre. En ese ocasión el lugar escogido fue un Muerdelapasta. Un paraíso en la tierra para los amantes de los carbohidratos menos exigentes.  No está muy rico pero puedes comer tu peso en espaguetis varias veces. Además hay tarifa plana en el grifo de yogurt helado. Ya sólo por eso merece la pena.

Come hasta que ya no puedas más y entonces come otro poco. Lo suficiente como para empezar a sentir asco por ti mismo. Ya estás preparado. Hora de ir al cine.

¡AL GRANO!

Ya no soy el maratonista profesional que era antes. Este año ya empecé saltándome la primera película. Pasé de “What don't you play in hell?” de mi queridísimo Shion Sono porque ya la había visto y porque  tenía más de 30 variedades de comida italiana de las que dar buena cuenta en As Cancelas.  Llegué a los últimos 25 minutos. 

Me sorprendió ver en el hall una mesita de cristal a tope de latas de refrescos y bebidas energéticas. No pude evitar clavar la mirada en las latas de Red Bull mientras la azafata me rompía la entrada.
 “¡Vaya! ¡Bebidas gratis!¡Estos de Cineuropa cada año son más enrollados!” pensé para mi mismo.“No son para coger, son las bebidas que hemos requisado. No se puede entrar con latas.” replicó en voz alta la azafata telépeta. 

Ante tan paranormal bienvenida solo pude poner cara de tonto y susurrar:

“Ah.”

Esperé en el ambigú a que acabara la peli y encendieran las luces para tomar posesión de mi butaca. 

El público sonaba entusiasmado con Sono. Se escuchaban risas y aplausos cada 5 minutos. Normal, “What don´t you play in hell?” es de sus mejores pelis pero yo sólo quería una cosa: que acabara YA.

Aplausos y luces.
 Llegó mi turno.



BACKCOUNTRY

Lo único que sabía de esta película es que había un oso involucrado.  Comienza con una clasica advertencia “Basado en hechos reales”.  Apunta maneras de derivar hacia un estereotipado “urbanitas vs paletos” tipo “Deliverance” y acaba convirtiéndose en “El oso” de Jean Jacques-Annaud pero al revés. Es decir, esta vez los humanos son la víctimas y el oso es el malo.

La verdad es que deja bastante mal cuerpo. Este oso no se anda con chiquitas. Los excursionistas lo pasaron tan mal  o peor que  Timothy Tredwell (“Grizzly man”) y eso que ni se atrevieron a tomarse tantas confianzas. 

NO ESTÁ BASADO EN HECHOS REALES

En fin, que  todo lo que nos contaron en el “Oso Yogi” es mentira.  Los osos ni llevan corbata, ni sombrero, ni hablan, ni pueden ejercer de guardia forestal, ni mucho menos hacen yoga (Ni siquiera Yogi lo hacía)... A juzgar por los hechos son seres con autocontrol escaso.



LA TÍA ALEJANDRA

La tenía pendiente desde hace mucho y fue incluso mejor de lo que pensaba. Por eso, en el universo onimaquiano este maratón será archivado para la posteridad como: “El maratón de la tía Alejandra”.

Isabel Corona encarna a la bruja perfecta. Tan elegante como oscura y perversa. Ripstein no da respiro. Va directo a la yugular y desde el minuto uno se suceden hechos cada vez más extraños. El ritmo es tan acelerado que por ratos incluso se pasa y desearías un poco más de recreación en determinadas escenas. La acción, casi toda contenida entre las paredes de un decadente caserón me recordó mucho a otra peli del propio Ripstein: “El castillo de la pureza”.  Quizás vuelva a verla estos días.

Si te gustan las películas sobre brujería, mal rollismo, sucesos paranormales y superstición en la línea de “La noche del demonio” o “Night of the eagle”, “La tía Alejandra” es otro must que añadir a la lista.


WAKE IN FRIGHT

Sin duda alguna la gran película del  maratón. Una pena que ya la hubiera visto porque descubrirla en un contexto como éste tiene que ser una maravilla.

“Wake in Fright” es una película australiana de principios de los 70 dirigida por Ted Kotcheff.

Básicamente lo que hace es convertir el clásico “irse de cañas” en una pesadilla kafkiana. Durante 114 minutos veremos como nuestro protagonista, un educado profesor de escuela, acababa tocando fondo a todos los niveles por dejarse llevar por la presión social de beberse unas cervezas. Si es que ya lo decía Zappa...


El paisaje desértico, el calor que rezuma cada fotograma y la sobredosis de testosterona de los habitantes de Yabba son el condimento perfecto para esta claustrofóbica aventura etílica.

Una peli de CULTO con todas las letras. Incluso estuvo desaparecida durante muchos años y no es hasta ahora que ha empezado a exhibirse en ciertos festivales. El mismísimo Martin Scorsese fue el encargado de llevar esta versión restaurada a Cannes en 2009. Cinco años después, mi buen amigo Toni Junyent tuvo la iniciativa de presentarla en Sitges y ahora, tan solo un mes después de aquello, gracias al gran José Luis Losa, tenemos la oportunidad de verla en pantalla grande en Compostela.

¡Un lujo!


GOODNIGHT MOMMY

La gran sorpresa. Esperaba una peli más convencional e inofensiva (en Sitges, en general, la acogida fue bastante tibia) y me pegó un revés que me dejó de medio lado.

Los austríacos no se andan con chiquitas. No sé si es que ya son autoconscientes de la imagen de crueldad que su cine proyecta hacia al exterior gracias a directores como Haneke o Seidl y han decidido seguir fomentándola o es que este tipo de directores se retroaliementan los unos a los otros. En Cuadernos Caimán han sacado hace poco un suplemento sobre cine austríaco. Quizás allí tengan una (plúmbea) respuesta. Lo que sí es cierto es que en el caso de “Goodnight Mommy” aunque está dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz, la producción corre a cargo del mismísimo Ulrich Reidl.

Si tras ver “Funny Games” seguramente no te quedaron ganas de abrir la puerta a desconocidos, con  “Goodnight Mommy” saldrás corriendo a comprar un montón de anticonceptivos y encabezar manifestaciones a favor del aborto.

Tener un hijo malvado en casa es chungo pero tener unos gemelos malvados es peor. Esa es la conclusión básica. Imagínatela envuelta en un elegante y frío papel de diseño.

BUCLES INFINITOS (Kafka in da house again)

Eran las 7:00 y Morfeo empezaba a sacar los puños. No sólo al público sino también al proyeccionista que estuvo encerrado durante casi 15 minutos dando banzados de un lado a otro por los laberínticos menús del DVD de “Family” El público ya con los sentidos embotados no daba crédito a lo que estaba pasando. Gritos agónicos de “¡Estamos en un bucle!”, “¡Hay un fallo en matrix!” o lacónicos “¡Noooo!” llenaban la sala cada vez que en vez de la película lo que aparecía en pantalla era un maldito anuncio anti-piratería (otra vez).

La que estábamos viendo era casi como una película de vanguardia con alma de thriller. No podía para de imaginarme al proyeccionista sudoroso, gritando maldiciones, mientras buscaba la opción  correcta en ese endemoniado DVD. Hasta yo estaba agobiado. El cursor  recorría enloquecido todas las opciones posibles del disco ante los gritos del público “¡No! ¡Por ahi no!” igual que cuando se increpa desde la cuarta pared al personaje de una peli por coger el camino incorrecto para escapar del monstruo. Finalmente, tras varios esfuerzos, logramos pulsar los botones adecuados. Empezó “Family”.


FAMILY

No había visto este episodio de John Landis para la segunda temporada de “Masters of Horror”. Algo así como una mezcla de “Psicosis” y “May”. Un orondo psicótico que a falta de parientes no se le ocurre nada mejor que llenar su casa de cadáveres que ejerzan los distintos roles de una familia perfecta.

No es una premisa tan loca si tenemos en cuenta que hay artistas reales que llevan haciendo 14 años algo parecido con maniquíes.


Para mi gusto lo más flojo de la noche. Obra menor en la filmografía de Landis e incluso obra menos dentro de Masters of Horror si lo comparamos con algunos de los capitulazos de la primera temporada.

UNA RETIRADA A TIEMPO ES UNA VICTORIA

Aquí se acabó mi aventura. Me abstuve de la película sorpresa de la que previamente fuentes fidelignas me habían informado que sería “Under the skin”.

Si ya el primer visionado, visto totalmente fresco y a una hora decente me había parecido tortuoso la gran mayoría de su dilatadísimo metraje. Volverla a ver a las 8:35 de la mañana en estas condiciones de somnolencia podría suponer una muerte prematura.

Me dio rabia no quedarme a ver los últimos coletazos: “No way to treat a lady” y “When a stranger calls”(1979). Ambas con pintaza y desconocidas para mí. Pero como dice el dicho:

¡Una retirada a tiempo es una victoria!

martes, 25 de noviembre de 2014

Cineuropa (Round 3): Roy Andersson: Guía de uso poco fiable


LA HIPÓTESIS DE LA ABDUCCIÓN EXTRATERRESTRE

¿Qué ha pasado con el antiguo Roy Andersson? ¿Qué ha sido de aquel joven sueco que en en los setenta hacía pelis de adolescentes románticos como “A swedish love story”?

El cambio en su carrera ha sido tan radical que casi parece que lo hayan abducido los extraterrestres a finales de los 80 para volver a dejarlo en la tierra en el año 2000 con la misión experimental de implantar un nuevo tipo de comedia en el planeta Tierra. Una nueva tradición cinematográfica que inicia con “Songs from second floor”, continúa con “You, the living” y cierra ahora con la película que nos ocupa: “A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence”.

Las tres pelis son prácticamente idénticas a nivel formal. Una serie de skecths resueltos en minimalistas y precisos planos secuencia en los que el estatismo de la cámara, el hieratismo de los personajes y la equilibrada combinación colores pálidos son la norma. Confieso que las dos primeras  no fui capaz de acabarlas pese pensar “¡Wow! ¡Esto es inaudito!¡Qué maravilla!”.  Es un tipo de cine tan marciano que requiere una tonificación espiritual y un estado de ánimo muy peculiar para poder digerirlo. De lo contrario tras 40 minutos es más que probable que acabes exhausto. Los numerosos espectadores que se largaron ayer a mitad de la peli pueden dar fe de ello.



HUMOR DE IKEA

Lo más peculiar del universo Andersson, a parte de su personalísima estética, es que su humor no tienen ninguna gracia. Nunca te dolerá la barriga por culpa de carcajearte con una peli de Andersson. Lo máximo que te puede llegar a doler es la cara de tanto forzar el rictus para fingir que ríes.

No sé si es por la hipotética abducción extraterrestre o por pertenecer a un país como Suecia más propenso a la frialdad racional que al humor instintivo y visceral, pero todos los sketchs de Andersson parecen construidos con el mismo método que un mueble de IKEA. Me lo imagino siguiendo un manual de instrucciones (la entrada de “Humor” en la wikipedia, por ejemplo) e intentando construir el gag siguiendo muy serio los puntos y mecanismos allí descritos. El resultado se parece tando a una buena comedia como un animal disecado a un animal vivo. Andersson es muy consciente y para resaltarlo no duda en maquillar a sus actores como muertos vivientes y dotar todas sus pelis de esa extraña atmósfera fúnebre. La “gracia” de su humor es precisamente ésa : que está más muerto y seco que una momia.

NANA DE RISAS ORTOPÉDICAS

Como os podéis imaginar una peli así, vista solo en casa puede exigir un gran esfuerzo pero vista en un Teatro Principal lleno de gente se convierte en una maravillosa experiencia antropológica. A los 5 minutos, ante el primer “estímulo humorístico” escuche unas risas extrañas. Llegué a pensar que eran unas risas enlatadas de la propia película pero poco después sonaron casi a mi lado. Aunque no había ninguna sonrisa dibujada en sus caras ¡Era el público quien se estaba riendo! Totalmente comprometidos con la película lo hacían cada vez que había cualquier sospecha de chiste. Era tan alucinante que incluso rebusqué por la sala para comprobar si había algún regidor con un cartel de “RISAS” que los estuviera presionando pero no, era un compromiso con el universo del autor totalmente espontáneo. Unas risas tan lacónicas y forzadas que nos convertían también a nosotros mismos en personajes de Andersson. Casi parecía que estábamos reaprendiendo a reirnos. Intentando actualizar el firmware del sentido del humor para hacerlo compatible con la película. 

Nunca había visto tan bueno voluntad por parte de mis congéneres.



ACTIVIDAD SUGERIDA PARA EL VISIONADO: EJERCITA TU SUBCONSCIENTE

Hay dos tipos de espectadores básicos: los que comen palomitas y los que duermen.

Como en Cineuropa no procede comer palomitas y tampoco  me veía suficientemente fuerte para ejercitar la risa de la forma maquinal que la peli requería decidí poner mi granito de arena al espectáculo intereactivo dejándome llevar por la duermevela. Me acomodé en el sillón  y cerré los ojos. Pasó algo que me suele ocurrir a menudo. A veces al entrar en duermevela como sigo escuchando los diálogos de la peli mi mente genera unos subtítulos imaginarios. Creo estar siguiendo la conversación pese a estar con los ojos cerrados pero en realidad son unos “subtítulos” inventados por mi subconsciente. El shock de cabecear, volver a la vigilia y comprobar que lo que están diciendo es un texto completamente diferente es una de las mejores experiencias de la vida. 

Recomiendo esta trilogía de Roy Andersson para practicar esta actividad porque es perfecta. Tan perfecta que no me extrañaría que el propio Roy diseñara sus largometrajes pensando en esta forma de vivir la experiencia cinematográfica. Razones:

1. Su estructura de sketchs hace que no ahorremos la desagradable sensación de desorientación que suelen provocar las películas narrativas convencionales al volver a la vigilia. Al ser fragmentos que funcionan de manera bastante independiente no hay ningún hilo que perder.

2. Están en sueco. Un idioma del que muy pocos españoles tenemos noción. Esto da a nuestro subconsciente libertad total para generar todo tipo de divertidas traducciones. 

3. No hay efectos de sonido molestos, ni músicas estrepitosas, ni subidas de volumen repentinas que nos arranquen de la duermevela de forma violenta. El paso entre ambos lados de la realidad siempre es suave.

4. La estética es maravillosa. Todos los fotogramas son dignos de enmarcar y poner en una pared junto a un cuadro de Hopper. La experiencia de despertar y encontrarte en la pantalla una imagen tan bella no tiene precio.



CONSEJO FINAL

Aunque durmáis durante la mitad de la película recomiendo encarecidamente que aguantéis bien despiertos los 20 minutos finales porque contienen dos escenas simplemente maravillosas. Dos escenas en las que se mezcla humor, belleza y crueldad con la precisión de un genio. Dos escenas por las que todo el esfuerzo anterior merece la pena.

1. El mono de laboratorio.

2. El cilindro musical de negros.

domingo, 16 de noviembre de 2014

Cineuropa (Round 2): Xavier Dolan y el Nuevo Orden Mundial


Interesantísima, como siempre, la nueva película del canadiense Xavier Dolan. Un director con plaza fija en la programación de Cineuropa.

"Mommy" es una vuelta a los orígenes. Una vuelta al tema de las relaciones materno-filiales tormentosas que el director ya trató en su opera prima "Yo maté a mi madre" revisionadas ahora desde una óptica ya totalmente afín a las directrices de los iluminados de Baviera. El joven Dolan aboga en su nueva peli por la destrucción total de la unidad familiar.

Nos cuenta la historia de Diane, una mujer viuda con un hijo problemático llamado Steve. Un adolescente con problemas de conducta como los que tantas veces hemos visto en "Hermano Mayor" o "El diario de Patricia".


¿Cuál es el origen de estos problemas? La película, absolutamente doctrinaria y prosistema, nos sugiere dos causas.

1. Diane decidió educar a su hijo en casa, ignorando la valiosa educación que nos ofrece el Estado.

2. Diane no trató debidamente a su hijo cuando sufría hiperactividad tal y como los médicos del Estado nos sugieren. Un "transtorno", recordemos, cuya existencia ha llegado a desmentir su propio creador.

Primera lección:

"Si no escolarizas y dopas a tu hijo como el Estado ordena el resultado puede ser un hijo intratable como Steve"

Pero... ¿Hay algo peor que tener una familia disfuncional como la de Diane? Por supuesto, hay algo mucho peor: tener una familia normal como Kyla, la vecina.

La vida de Diane es dura pero al menos es dueña de sí misma y su destino. Kyla sin embargo se nos presenta como un ser totalmente anulado por su familia. A causa del trabajo de su marido tiene que cambiar de residencia cada dos por tres y no puede ni desarrollarse personalmente ni ejercer su profesión: profesora de instituto. Su hija y su marido son perfectos. No le generan ningún problema que resolver y eso le causa un profundo aburrimiento y hastío vital insoportables. Tal es el trauma y depresión que padece que incluso ha empezado a tartamudear.

Segunda lección:

"La familia es un coñazo, nos anula como individuos e incluso puede llegar a bloquearnos algunas funciones fisiológicas"

Todo cambiará cuando decide adentrarse en el mundo de Diane y Steve tras oirlos pelear salvajemente una buena tarde de verano.

Kyla encuentra en Steve un gran reto como profesora. Un alumno conflictivo que la hace sentirse útil y viva por fin. Será gracias a una fuerte discusión durante una clase que logre recuperar el habla. En Diane encuentra sin embargo una maestra. Una "mujer liberada"que la introduce en los "revolucionarios" vicios que nos ofrece el sistema capitalista: música comercial, alcohol y tabaco. Vicios gracias a los que por fin logra divertirse y sonreir. El acto de fumar se nos presenta en la peli de Dolan exactamente igual que en las viejas campañas propagandísticas de Edward Bernays: las mujeres que no fuman son unas reprimidas.

Tercera lección:

"Las drogas del estado (alcohol y tabaco) nos liberan y nos hacen sentir bien. Las personas que nos aportan cosas importantes están fuera de nuestro ámbito familiar."

Pero Dolan quiere llegar al fondo de la cuestión. Una familia disfuncional puede ser una aventura divertida pero acaba cansando. Diane quiere a su hijo pero sabe que es un grillete. Por su culpa no puede relacionarse con otros hombres y tiene que trabajar constantemente para pagar los desperfectos que causan sus tropelías. Además Steve ha empezado a desarrollar una inquietante pulsión sexual hacia ella que lo ha llevado a cometer un intento de suicidio. Lo mejor para la salud de ambos será distanciarse.

Cuarta lección:

"La familia es un ente malvado que nos puede llevar a tener pensamientos inmorales como el incesto. Pensamientos oscuros que pueden derivar en suicidio"

Por suerte, en este Canada ficticio hay una nueva ley estatal que puede ser su salvación. Un programa educacional para adolescentes conflictivos que ayuda a liberar a los padres de la pesada carga de sus retoños.

En un emotivo flash-forward vemos como Diane imagina el futuro de Steve. Crecerá, encontrará una chica con la que casarse y poco a poco se irá olvidando de su madre. Es ley de vida. ¿Para qué sacrificar los años que le quedan si al final va a quedarse sola?

Quinta lección:

"No seamos héroes ni mártires. cedamos nuestros hijos al Estado, el sabe mejor que nadie como cuidarlos. Vivamos nuestra vida como indivuos."

Tras entregar a Steve al Estado, Diane comenta con Kyla que por fin ha encontrado lo que buscaba:

ESPERANZA

miércoles, 12 de noviembre de 2014

CINEUROPA (Round 1): ¡Empieza la fiesta!

“EN ESTE MARCO INCOMPARABLE”

Supongo que casi todos conocéis la sensación de hastío que produce ver la cabecera de una serie que ya llevas muchos años siguiendo. No importa lo maravillosa que fuera al principio, llega un momento que lo único que quieres es que empiece el capítulo de una vez y  pulsas “FAST FORWARD”.

Me pasa algo parecido con la puesta en contexto de Cineuropa. Este es ya el quinto año que emprendo esta especie de diario personal sobre el festival y el post de arranque es  siempre un fastidioso deja vu, como volver a construir la cabecera de una vieja serie que ya todos tenemos en el inconsciente colectivo. Una retahíla de imágenes, tópicos y lugares comunes de la que nadie necesita otro bis. 

Así que  pongamos una nube de palabras clave y que cada cual se construya la presentación que más le guste con ella. Adelante! Sin miedo!



O LOBO ATRÁS DA PORTA

Mi primera pelí del festi. No os dejéis engañar por el título. No es una producción gallega sino brasileña, os daréis cuenta  porque hace sol todo el rato y tienen acento raro. 

Opera prima de Fernando Coimbra. La sinopsis nos dice que la película trata sobre el misterioso secuestro de una niña pero eso es lo de menos. El secuestro, al igual que las películas en este blog, solo son una excusa para escribir sobre cosas que  poco tienen que ver con el objeto de estudio.



Lo que realmente nos quiere contar  Coimbra es la historia de un tormentoso triángulo amoroso tipo “Atracción Fatal” pero ambientado en un sórdido Río de Janeiro. 

Hay algo de esta película que me ha gustado especialmente y es que pese a sus apariencias tienen poco que ver con la serie B parte de su ADN pertenece a John Carpenter. El propio film nos lo anuncia al inicio con una melodía minimalista que nos remite de forma indudable a “Asalto de la comisaría del distrito 13”. La  película de la que también hereda la principal herramienta del shock: el asesinato de una niña.


Roger Corman solía decir a sus discípulos que lo importante de una peli eran dos cosas: un buen principio y un buen final. Con el principio nos aseguramos de enganchar al espectador para que aguante en la butaca. Con el final logramos que salga con una sonrisa de satisfacción aunque se haya aburrido la mitad del metraje.

“O lobo atrás da porta” cumple a la perfección estos postulados. Si tuviera que resumirla en una fórmula sería:

Gran inicio + culebrón sórdido + gran final = 7/10

KREUZWERG (Stations of the cross)

Los “grandes peligros” del fanatismo religioso... El tema no es nuevo y está tratado mucho mejor, con más profundidad y sentido en películas como “Camino” o documentales como “Jesus Camp”.

Aquí el gran interés reside en la forma de contarlo. Quince episodios narrados a través de quince planos secuencia que pretenden establecer pararelismos entre el camino a la cruz de Jesús y la vida y muerte de la niña protagonista. A nivel conceptual es muy bonita, perfecta para llevar premios en festivales y ahorrar un sueldo de montador, pero a nivel de desarrollo se hace bastante tedioso. Los planos  estáticos de los doce primeros episodios funcionan muy bien en algunas ocasiones pero en muchas otra no pude evitar acordarme de “Camera café”.



Por otro lado,  poniéndonos en plan tiquismiquis, la progresión hacia la muerte de la niña está totalmente desmadrada. Se resuelve en los 4 o 5 episodios finales de forma excesivamente abrupta. Hasta  que la protagonista cae por primera vez desfallecida  en misa lo único que vimos es una niña en un entorno estricto y muy religioso pero ni de lejos tan severo como para llevar a alguien al deceso. De hecho, la mayoría de restricciones familiares que nos muestran a largo de la peli giran entorno algo tan liviano como la música. Sólo le dejan escuchar música sacra y no le permiten salir con chicos. En eso se basan las 10 primeras etapas de su proceso hacia la cruz. A partir de ahí, la niña  como si de un monje sokushinbutsu se tratara, decide dejar de comer para lograr la santidad y nadie en el hospital logra hacer nada para salvarla.

El cartel es precioso.

El plano final también.

sábado, 25 de octubre de 2014

Bård Breien: Humor disfuncional desde Noruega

Tengo nuevo director favorito, se llama Bård Breien, es de Noruega, y sólo ha necesitado una minúscula filmografía de dos películas para enamorarme.



DETEKTIV DOWNS (2013)

Es un precioso homenaje al cine negro en clave de Down.

Nuestro detective privado se llama Robert Bogerud, tiene su despacho en el centro para discapacitados “Mariquita”, y ante la imposibilidad de encontrar un caso mata las horas bebiendo whisky en los burdeles más sórdidos de la ciudad. Robert está especializado en casos de desapariciones y cree más que nadie en sí mismo. Sabe que posiblemente no sea el chico más inteligente del mundo pero el tiene su propio método. ¿Y cual es ese método? 

“Uso las emociones” (Robert Bogerud)



La primera palabra que me viene a la mente al pensar en “Detektiv Downs” es elegancia. Con un tema como éste sería muy fácil caer en la comedia más ramplona pero Breien logra sortear con estilo el mal gusto para ofrecernos esta pequeña joya rebosante de  dos elementos aparentemente antagónicos: humor negro y ternura. 

Es un film con un universo propio a medio camino entre una peli de Humphrey Bogart y los cabarets oníricos e intrigas parafílicas de "Terciopelo Azul". 



Por suerte, Robert logrará encontrar el caso que tanto ansiaba y nosotros podremos comprobar la eficacia de su método a lo largo de 84 sugerentes minutos.




THE ART OF NEGATIVE THINKING (2006)

"Estamos aquí para joder a todos esos imbéciles de la televisión que sonríen todo el tiempo, para joder a todos los que tienen buenos amigos y familia. Joder a todos los que se volvieron algo diferente a lo que soñaban ser. Joder a todos aquellos que se creen alguien y que no entienden ni una mierda."



“The art of negative thinking” es el reverso absoluto de “Detektiv Downs” tanto a nivel de forma como espiritualmente.

Si “Detektiv Downs” apostaba por una estética preciosista y pictórica en “The art of negative thinking” nos encontramos con una peli naturalista, rodada casi al estilo documental. Aunque no llevan cresta y escuchan Johny Cash en vez de los Sex Pistols, es una peli punk de discapacitados que bien podríamos emparentar con títulos como “Ex Drummer”,  “The punk syndrome”, “Los idiotas”, “Nacional 7” o incluso “Acción Mutante”, pese a sus abismales diferencias. Nada que ver con la optimista visión del mundo del entrañable detective Bogerud.


Lo que empieza siendo una edulcorada terapia new age para ayudar a los discapacitados a frontar sus problemas acaba transformándose en una violenta y destructiva velada de descarnado nihilismo y risas negrísimas, donde a la teraupeuta no le quedará más remedio que acabar saliendo por patas. Pero al final, como siempre, todos los extremos se tocan e incluso a través de la negrura más profunda encontrarán nuestros protagonistas el lado positivo de las cosas.

“Nunca llegarás a la raíz de tus problemas si no aprendes el arte de pensar un poquito en negativo”